Los efectos en la historia del cine y la televisión: la noche americana, la doble exposición, el croma y la edición digital.

Se ha considerado a Georges Mélies como el padre de los efectos especiales. Como vamos a ver

los primeros efectos fueron descubiertos por error y a partir de imaginar las posibilidades que

podrían tener comenzó la evolución que analizamos a continuación. 

Georgés Mélies pidió a Antoine Lumiére, padre de los empresarios, que le vendiera una cámara,

pero su padre se negó argumentando que eso no tenía futuro. Entonces Mélies viajó a Inglaterra y

le compró una a Robert William Paul, creador del Animatógrafo, otra variante del Kinescopio de

Edison.

Por error, Mélies descubrió el efecto por substitución: se encontraba filmando a una chica cuando

paró la grabación y la continuó accidentalmente; el resultado fue una mujer que desaparecía. En

1987 descubrió y desarrolló los métodos de doble y múltiple exposición, es decir, regresar la cinta

para añadir múltiples efectos. A voyage dans la lune (1902) fue su más grande éxito y la primera

película de ciencia ficción.

En 1903 Edwin S. Porter, en su película The great train

robbery, tuvo la idea de poner una cortina de terciopelo negro por la que cuidó que ningún actor

pasara. Introdujo un cartón negro que dejaba ver sólo la parte en la que había colocado la cortina

en la primera toma y filmó el paso de un tren. Luego, por medio de la doble exposición, unió las

dos tomas; así creo el efecto de un tren pasar a toda velocidad por una ventana.

Cuatro años más tarde, en 1907, Norman O. Dawn creó la pintura en vidrio con su película Missions of California. Con este efecto, se dibujaba un paisaje y se sobreponía a la grabación, sin embargo era muy costoso por la cantidad de artistas que se contrataban.

A principios de los años 20´s, los actores y directores dejaron el anonimato, pues el público comenzó a tener preferencia por ciertos artistas.

En 1924 Fritz Lang asombró a todos con la adaptación de la obra literaria Die Nibelungen, en la que Sigfrido batalla con Fafner, un enorme dragón manipulado por decenas de técnicos y que escupía fuego por la boca a través de un lanzallamas.

Tres años después, Lang creó su clásico Metrópolis; trabajó con dibujos, maquetas a escala, autos y aeroplanos en miniatura que colgaban de hilos, animados cuadro por cuadro.

Willis O´Brien, conocido como Obi (no me pregunten si Lucas lo contempló para sus

películas). En 1925 O´Brien dio creó su clásico The Lost World, para el que utilizó muñecos en

miniatura con un esqueleto de cables para que pudieran cambiar de posición. El director repitió su

éxito en King Kong (1933), en donde su principal reto fue la creación de los escenarios en

miniatura y la técnica para mover los modelos en ellos. En 1927 se creó el Premio de la Academia

al Mérito, mejor conocido como Oscar (por razones poco conocidas), por Douglas Fairbanks,

dundador de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

En un comienzo la música era proyectada independientemente de la imagen. En los años 30´s, el

sonido se unió a la pantalla como una necesidad. Un método llamado rear projection fue desarrollado en esta década: consistía en una proyección detrás de los actores mientras se

filmaba. En 1933 también se inventó la inserción de paisajes en King Kong, su técnico de efectos, Linwood G. Dunn, hizo un gran descubrimiento en el mundo cinematográfico. Observó que, al pasar una cinta entintada en naranja (el color opuesto al azul) por un llamado blue cyclorama, la cinta se duplicaba.

Los efectos en tercera dimensión tuvieron muy poco éxito en los 50’s, época en la que se

desarrollaron, ya que tenían muy poca calidad visual. En esta década, George Pal, creó películas como When Worlds Collide (1951), la cual ganó un Oscar, Destination Moon (1950) y adaptaciones como War of the Worlds (1953). En todas estas películas se utilizaron modelos en miniatura; para los lásers de los extratrrestres manipularon una antorcha que expulsaba oxyhdrógeno por un tubo; el efecto de desintegración funcionaba con placas con l contorno de los objetos y actores adesaparecer. John P. Fulton realizó uno de los efectos más caros y más complicados en la historia del cine. En su película The Ten Comandments (1956) partió el Mar Rojo en dos. Construyó una pared de diez metros de alto que contenía agua y se extendía a lo largo de la toma: 15 escotillas vinculadas a 24 depósitos de agua permitían controlar el flujo para formar una cascada. La escena se filmó dos veces en lados opuestos para dar la sensación del mar dividido.

A partir de los años 60´s los avances crecieron cada vez más rápido. Odisea en el espacio (1968) de Stanley Kubrick innovó con sus múltiples efectos, como la construcción de una rueda de 12 metros de diámetro que daba vueltas sobre su propio eje.

La década de los 70´s fue la década de las

películas de desastres. En The Poseidón Adventure (1970), The Towering Inferno (1974) y Earthquake (1974) de el trio Irwing Allen, L. B. Abbott y A. D. Flowers, también son ejemplo de esta tendencia en la época. En la película

Superman (1978) Zoran Perisic inventó el proceso Zóptico (zoom-óptico). Consiste en grabar dos

zooms simultáneos, uno en el rear projection detrás del actor y otro sobre el mismo: dio la

sensación a Superman de despegar del suelo.

En 1977 los efectos especiales de Star Wars cambiaron, una vez más, el mundo del cine.

Estados Unidos tomó el mando en los trucos gracias a John Drykstra, quien fundó Industrial Light

and Magic, el estudio de George Lucas. A mitad de los años 70´s, el video en casa apareció gradualmente y en 1986 muchos de los cines ya habían sido sustituidos por televisiones.

Lo futurístico y lo fantástico se puso de moda en los 80´s. Películas como Flash Gordon (1980), Blade Runner (1982), E. T. Extraterrestial (1982), Back to the Future (1985), The Terminator (1984), Directores como Spielberg, Lucas y Coppola tomaron gran importancia y en los 90´s los efectos especiales comenzaron a digitalizarse. Ya en 1996 aparecería la primera película de animación por computadora: Toy Story. Este nuevo método sustituiría para siempre a las películas de dibujos animados. La era digital había llegado.

LA NOCHE AMERICANA:

Es una técnica utilizada durante muchos años en el cine para simular que una escena tiene lugar

de noche habiendo sido grabad de día. Se realiza grabando de día pero utilizando filtros en el

objetivo de la cámara y utilizando poca exposición, de forma que se obtiene una luz oscurecida y

de un carácter azulado.

STOP MOTION:

Consiste en grabar fotograma a fotograma un elemento moviendo casi imperceptiblemente de uno

a otro, con lo que al proyectarse da la impresión de movimiento

LA DOBLE EXPOSICIÓN:

La técnica de la exposición doble consiste en que el negativo queda expuesto en dos ocasiones (o

más). Como el filme sigue siendo sensible a la luz, el resultado consiste en una imagen doble o

sobreimpuesta.

CROMA:

Un Croma es una técnica audiovisual que se usa

ampliamente tanto en cine y televisión como en

fotografía para extraer un color de la imagen y

reemplazar el área que ocupaba por otra imagen, grabamos al

personaje con el croma de fondo. Esto se hace

cuando es demasiado costoso o inviable rodar al

personaje en el escenario deseado, o para evitar el

laborioso recorte del personaje fotograma a

fotograma; proceso conocido como rotoscopia.

El croma deberá estar perfectamente iluminado.

El uso para el croma de los colores verde o azul es

porque son los tonos más alejados del tono de la piel humana.

EDICIÓN DIGITALES:

Explicados en puntos anteriores.